Pessoa em primeiro lugar, dançarina em segundo: chaves para desenvolver um currículo de dança forte

Francisco Gella ensinando. Foto cortesia de Gella.

É férias de verão, e entre a hora da piscina, coquetéis e festas de verão, há a chamada mesquinha do novo ano de dança se aproximando rapidamente. Qual será o seu foco no ano letivo de 2019/20? Você atualizará seu currículo e tentará algo novo? O que tem funcionado para seus alunos e onde eles podem melhorar?

Na preparação para Encontro de Professores de Dança No final deste mês, Dance Informa fala a três líderes da indústria por suas dicas sobre o desenvolvimento de programas e métodos de ensino bem-sucedidos, abordando assuntos que serão discutidos nos próximos seminários de Long Beach e Nova York.

Deborah Damast. Foto de Jordan Matter.



Deborah Damast, Diretora do Programa de Educação em Dança e Conselheira Artística da NYU Steinhardt, possui uma riqueza de conhecimentos e imensa experiência no desenvolvimento de currículos. Sua abordagem “é primeiro dar uma olhada no público. Quem são os alunos? Quais são suas necessidades? Quais são os objetivos da escola, do programa e dos professores? ” ela pergunta. “Qual é a filosofia educacional da escola? Essas questões precisam ser abordadas antes que o currículo possa ser escrito para que haja alinhamento com os objetivos, prática pedagógica e missão. ”

Seja ensinando dançarinos recreativos, alunos pré-profissionais sérios, dançarinos de competição ou estudantes universitários, as férias de verão são um momento oportuno para olhar para sua missão e avaliar como seu programa funciona para você e seus alunos.

“O desenvolvimento do currículo é muitas vezes considerado complicado e assustador”, enfatiza Francisco Gella, professor mestre, coreógrafo e diretor artístico da Francisco Gella Dance Works. Mas não precisa ser assim.

Francisco Gella. Foto cortesia de Gella.

“Se você realmente olhar para as raízes de como formular um currículo eficaz e orientado para os resultados, é realmente muito simples”, explica Gella. “Concentre-se nos fundamentos básicos para a abordagem técnica implementando esses elementos fundamentais do ponto de vista anatômico e biomecânico, seja implacável com os detalhes em termos de execução (do alinhamento adequado, como cada etapa inicia, transições e termina) e, finalmente, seja consistente com a aplicação dessas regras simples a cada etapa, cada sequência e cada plano de aula. ”

Mas, uma vez que você tenha um plano sólido, certifique-se de deixar espaço para criatividade e moldabilidade.

“Crie um currículo que seja orientador e solidário sem ser de cima para baixo e prescritivo, para que os professores tenham um espaço criativo e, ao mesmo tempo, sintam que têm um modelo que funciona para suas aulas”, aconselha Damast. “Um bom currículo deve ser respirável, estruturado ao longo do tempo, ter resultados realistas e ter adaptações para diferentes estilos de aprendizagem.”

Gella concorda, dizendo: “O trabalho de desenvolvimento de currículo nunca deve terminar porque as necessidades dos dançarinos mudam, as demandas do concerto, os setores de dança comercial e colegial mudam e você mesmo muda”.

Criar um programa que seja verdadeiro para você e para os objetivos do seu estúdio se resume à sua filosofia de ensino básica. Conforme você planeja o ano letivo, é um ótimo momento para pensar sobre o que é importante para você em uma sala de aula e, finalmente, o que você deseja que seus dançarinos ganhem com o tempo que passam com você.

Ray Leeper, renomado coreógrafo e consultor criativo, concentra-se em ensinar respeito e disciplina aos dançarinos.

Ray Leeper.

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“Sempre gosto de ensinar com incentivo e positividade, mas isso não significa que não haja disciplina”, diz ele. “Os jovens precisam entrar na sala com um certo respeito e com um trabalho a cumprir. Os dançarinos entram em uma aula de balé com sua touca pronta para uma aula muito, muito estruturada, e então eles vêm para sua aula de jazz ou contemporânea e tiram a touca de balé. Existe um sentimento mais relaxado, que eu gosto, mas acho que realmente precisamos tentar ter um nível de respeito ou disciplina em sala de aula. Você já assistiu seus filhos na aula de balé e disse a si mesmo: ‘Por que eles não são assim na minha aula?’ Se sim, você precisa reavaliar como está conduzindo sua aula. ”

Gella também enfatiza a construção de personagens fortes e dedicados, em vez de apenas dançarinos com técnica perfeita.

“Um professor pode se concentrar no desenvolvimento de um treinamento técnico forte, mas sem também atender às necessidades emocionais e psicológicas do aluno - que impactam os princípios comportamentais fundamentais de caráter, integridade, coragem, auto-introspecção, autoconfiança, humildade e gratidão - que o aluno nunca vai maximizar todo o seu potencial humano e artístico ”, diz ele.

Mas como você faz isso para os muitos alunos, de vários níveis, que você encontra a cada dia?

“Ver a aula a sério”, aconselha Damast. “Não ensine ao espelho, ensine às pessoas. Faça perguntas, verifique com os alunos, encontre várias maneiras de explicar conceitos e aprenda como seus alunos aprendem. ”

Para fazer isso, o Damast incentiva os educadores a “fazer com que os alunos encontrem suas vozes enquanto encontram seu estilo, e inclua alguma discussão nas aulas. Por que não tornar o conteúdo da aula identificável para a vida dos alunos fora do estúdio de dança? ”

De acordo com Gella, os professores precisam “não apenas prestar atenção ao desenvolvimento geral do aluno, mas também expressar consistentemente sua crença no talento e potencial do aluno, e mostrar que valorizam a autenticidade e a singularidade do dançarino. Tudo isso afeta a maneira como um dançarino aborda a aula e o desempenho. ”

Leeper compartilha uma dica útil para ajudar cada aluno a se sentir valorizado. “Acho que dar aulas é sempre sobre como criar um senso de igualdade na sala, quer você esteja ensinando 500 dançarinos em um ambiente de convenção, ou você está ensinando 20 no estúdio.”

Ele continua, “Você sabe como todo mundo tem seu lugar na barra ou quando está de frente para o espelho? Os dançarinos se posicionam de acordo com seu nível ou onde acham que merecem estar. Misture com isso! Crie uma oportunidade para os dançarinos que estão na parte de trás estarem na frente. Certifique-se de que você está dando a mesma oportunidade para cada dançarino. Então, se você estiver indo para o outro lado da pista, nem sempre faça com que seus dançarinos A comecem ou formem pares. ”

Em uma aula de balé, Gella sente que é importante expressar que 'nem todos podem ser ótimos no balé, mas cada pessoa na sala pode ser um excelente aluno.'

O que isso significa na barra? Gella diz a seus alunos para 'focar no que está sendo ensinado, honrar a etiqueta e a tradição ao não falar ou interromper o processo de aprendizagem, honrar a si mesmo por ter a coragem de tentar algo novo e se você for um dançarino experiente em balé, concentre-se em corrigir detalhes e determinar como você pode melhorar sua abordagem em cada etapa dada. ”

Gella faz questão de informar aos alunos “que diferentes tipos de corpos são capazes de aprender balé. Independentemente do tipo de corpo, se aquela bailarina fez o trabalho necessário, com clareza e detalhe, você não pode negar a excelência que está demonstrando ”.

Acrescente a esses diferentes tipos de corpo e habilidades, os muitos estilos de aprendizagem diferentes de seus alunos, e você terá um conjunto complexo de necessidades em cada estúdio.

“Cada dançarino tem diferenças na forma como aprendem e retêm informações”, ressalta Gella. “Alguns tendem a intelectualizar o conteúdo que você está ensinando, e alguns são mais aptos a aprender visualmente por meio de demonstração e observação.”

Em uma forma de arte física, Gella incentiva seus alunos a tentar cada correção fisicamente, não apenas intelectualmente.

“Os alunos não podem ter licença para apenas permanecer passivamente e apenas adquirir as informações intelectualmente - independentemente de qual seja sua modalidade de aprendizagem dominante”, diz Gella. “Eu sempre incentivo meus alunos a sentirem a correção com seus corpos.”

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E “há uma diferença entre ensinar e pregar”, acrescenta Leeper. “Acho que é por isso que é realmente importante que os instrutores subam na pista e vagueiem para manter as crianças envolvidas.”

Mas, como professor, você está comprometido? No final do ano letivo, estamos todos exaustos e geralmente sem inspiração. É aí que um evento como o Dance Teacher Summit pode motivá-lo e equipá-lo.

“Este será meu quinto ano ensinando no Summit”, disse Gella com entusiasmo. “Quero capacitar a crença dos educadores neles, abrir possibilidades para novas e novas formas de ensino e encorajar os professores a se considerarem artistas. A maioria dos professores considera o que fazem um trabalho. Eu encorajo os instrutores a verem seu ensino como uma prática artística. Os professores que se percebem como artistas tornam-se mais inovadores na forma como vêem o que ensinar e como ensinar. ”

Mas com tantas aulas em oferta e tantos conselhos para angariar, como o Summit pode ajudar efetivamente no desenvolvimento e execução do seu currículo?

“Eu acho que é muito importante chegar a um plano com sua equipe de estúdio de como as informações que você coleta podem ser usadas ao longo de um ano inteiro e ser realmente realista, medido e prático sobre como as informações vão para seus alunos,” aconselha Leeper.

Então, como você pode fazer isso? “Depois da Summit, tire uma semana ou mais e deixe tudo se resolver”, acrescenta. “Veja o que três a cinco coisas continuam voltando para você. Estas são as coisas às quais você deve prestar atenção, seguir em frente e deixar para trás. ”

Mas seja o que for que você decida tirar do Summit e implantar em seu currículo, nessa nova temporada, acima de tudo, “coloque a pessoa em primeiro lugar, a dançarina em segundo”, lembra Gella.

O Dance Teacher Summit deste ano será realizado em Long Beach, CA (26 a 28 de julho), e em Nova York, NY (1 a 3 de agosto). Para registro e mais informações, visite danceteachersummit.com .

Por Deborah Searle de Dance informa.

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