Performance da temporada 18 da OnStage Dance Company: O poder do conceito

Amy Foley 'Waiting' de Amy Foley. Foto de Mickey West Photography.

Boston University Dance Theatre, Boston, Massachusetts.
25 de janeiro de 2020.

Conceito - pode diferenciar a arte da dança do movimento, torná-la relevante e torná-la verdadeiramente 'em casa' com o público. Onstage Dance Company sediada em Malden, MA, um lar acolhedor para profissionais ocupados que querem continuar dançando após seus dias de estúdio e de dança na faculdade, sempre apresenta shows divertidos e bem-feitos. No entanto, no desempenho da temporada 18 da empresa, a presença de conceitos particularmente comoventes e memoráveis ​​se destacou para mim. Isso me lembrou o quão poderoso um conceito inventivo ou significativo, movido com dedicação e cuidado, pode realmente ser.

A primeira peça, Michelle Block's De cabeça para baixo , deu início a essa tendência de conceitos sofisticados e divertidos. Os dançarinos começaram em silhueta, iluminados por trás, em duas linhas. Luzes surgiram para revelar muito mais cores, vestidos verdes e roxos com uma paleta de cores de iluminação para combinar.



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Block convocou esses dois grupos de cores de maneiras esteticamente intrigantes, como a parceria de um dançarino vestindo uma cor e outro vestindo a outra, entrelaçando e alternando dançarinos usando as duas cores e dividindo-os nas laterais do palco. Este era um conceito sem nome, mas claramente visível dentro da obra. Outro foi realmente nomeado, no título os dançarinos se inverteram fisicamente na parceria. Ambos os conceitos estimulavam a dualidade - para cima ou para baixo, de uma cor ou de outra.

Embora esses binários fossem claros, o que também despertou meu interesse foram os espaços e tempos em que víamos tons de cinza entre as duas extremidades do espectro - meio para cima, corpo paralelo ao chão ou quando as cores se misturavam dentro um grupo. Os bailarinos executaram tudo com empenho e comando técnico. Visualmente e mentalmente, havia muito o que mastigar. Fora isso, era simplesmente agradável de se absorver.

Teresa Fardella's Perdido no mar veio a seguir. Trouxe uma sensação diferente - mais escura, mais misteriosa, mais reflexiva. Uma partitura de piano com vocais atraentes começou a incutir essa atmosfera, e vestidos off-white - oferecendo a sensação de um estado em branco - aumentaram ainda mais. A iluminação estava baixa, mas tornou-se mais clara à medida que a peça avançava. Da mesma forma, o movimento se acelerou um pouco e tornou-se mais leve em energia à medida que a peça prosseguia. Pequenos saltos e saltos maiores adicionaram uma sensação de vôo a esse aumento de energia.

Outro desenvolvimento foram os dançarinos entrando em vestidos pretos - trazendo um contraste de dois grupos separados, como a peça de Block tinha. Nessa peça, essa escolha serviu para reforçar um sentimento de busca, de busca de um oposto, de algo fora do conhecido. Somando-se a isso, houve a mudança frequente para outros níveis no espaço e lugares no espaço (o espaço do palco que é). Da maneira como os dançarinos se relacionavam - circulando, abaixando-se, vindo em direção, mas então com certeza se afastando - pensei nisso “perdido no mar” como uma separação da verdadeira conexão humana, perdida no turbulento mar da vida.

Seria preciso clareza e intenção no movimento para que ele estimulasse tal interpretação e os executantes a entregassem. Um estilo balético / lírico acrescentou uma graça e formalismo que suavizou a borda de tudo isso. Para terminar, os dançarinos pararam e pareceram, pela primeira vez, ver um ao outro de verdade. Eles foram encontrados? Isso caberia aos membros da audiência decidir por si próprios. Essa é uma coisa maravilhosa para a qual a arte pode conter espaço.

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Fechando o show foi Jennifer Kuhnberg Anjo pelas asas . Cada parte disso promoveu o conceito de anjos-guias em nossas vidas. Para começar, o palco foi iluminado para criar um efeito de silhueta. Varais cobertos com roupas brancas criavam a imagem de asas de anjo, e os dançarinos formaram um quadro logo abaixo. Luzes surgiram para revelar os dançarinos totalmente iluminados, em trajes que eram graciosamente fluidos e brancos. A iluminação criava sombras de sensação etérea. À medida que a peça avançava, um sentimento de harmonia se tornava claro - mesmo através de várias formações e modos de os dançarinos se relacionarem (em canhão, em uníssono, em seu próprio movimento).

A parceria, em uma qualidade contemporânea suavizada e liberada, trouxe uma sensação de apoio. Os dançarinos rolaram sobre o quadril de um parceiro para aterrissar em estocadas profundas e firmes ou para mudar seu impulso para uma curva. Havia muita atividade acontecendo no palco, mas tudo era altamente organizado visualmente - para ser acessível, atraente e agradável. Essas qualidades continuaram até o fim - dançarinos criando um quadro de níveis e formas variados, uma forma de asa iluminada atrás deles. Certamente havia algo sobrenatural e majestoso em tudo isso, algo que me fez sentir mais tranquila e em paz só de experimentar.

Willow Gertz's A rosa final abriu o segundo ato. Imagens curvilíneas conectadas de volta às flores e um esquema de cores vermelho / rosa deixavam tudo mais claro. O movimento forte com uma graça nítida emulava a beleza de uma rosa que, no entanto, tem elementos de espinhos protetores, como o motivo de um braço em movimento, trazendo a suavidade, e as formações geométricas agudas trazem a força. Os dançarinos se conectavam em forma de corrente, serpenteando pelo palco, mas depois se moviam na diagonal. Eles deram as mãos nas costas, andando em uma qualidade amarrada, até que se moveram em uma qualidade de derretimento. Os dançarinos transmitiram essas qualidades de forma clara e convincente. Este contraste de força e suavidade, emblemático de uma rosa - em vocabulário de movimento, qualidade de movimento e formações - trouxe à vida um conceito intrigante e uma pepita simplesmente agradável de arte da dança.

Mais tarde na Lei veio outro trabalho de Kuhnberg, Jogo de sobrevivência . Uma atmosfera selvagem, e toda a perigosa nervosismo nela contida, era clara e intrigante desde o início da peça. Os dançarinos formaram linhas e depois dançaram nelas, grandes paus adicionando um elemento de aterramento e também uma âncora auditiva (eles batiam nos adereços no palco em uníssono, chamando a atenção e contribuindo para a atmosfera). A selvageria estava clara na iluminação verde e amarela, nos cortes irregulares de fantasias em cores semelhantes e nos movimentos acidentados.

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A letra “o jogo da sobrevivência” tocou no teatro, e tudo veio junto para mim. Diferentes grupos deles se moviam de maneiras que me faziam questionar quem era o caçador e quem era a presa - circulando, investindo, mergulhando acima e abaixo. O vocabulário de movimento de Kuhnberg se tornou tão ousado e tenaz quanto o selvagem que ela retratava dançarinos deslizou em um quadril, rolou sobre os ombros de outros dançarinos e saltou sobre outros dançarinos deitados no palco.

O final me cativou acima de tudo, no entanto os dançarinos bateram as baquetas em uníssono perfeito e as luzes se apagaram - uma chamada tentadora para me perguntar o que poderia vir a seguir, além dos limites da peça no mundo imaginário que ela havia construído, e simplesmente um verdadeiro atrair os sentidos. Construir inteligentemente um conceito por meio de uma obra de arte da dança pode ter esse efeito, e a Onstage Dance Company foi elogiável na apresentação da 18ª temporada.

Por Kathryn Boland de Dance informa.

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