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Menos é mais, especialmente agora: filme de dança em quarentena de Pizarts ‘Red Between the Lines’

Dolly Sfeir Dolly Sfeir's 'Multiple Personalities'.

17 de setembro de 2020.
Online através do Festival de Distanciamento Social.

“Menos é mais” é uma velha máxima na arte (e na vida), os humanos têm uma largura de banda sensorial, mental e emocional, e ser intencional sobre o uso dessa largura de banda na maioria das vezes torna a arte mais agradável e significativa. Em 2020, em meio a uma pandemia global, duas forças em particular tornam essa ideia ainda mais importante. Por um lado, uma enxurrada de conteúdo digital combinada com incrível incerteza sobre a direção de nossa vida pode parecer opressora . Para dois, ao mesmo tempo, vozes sábias estão nos lembrando que este pode ser um momento para desacelerar, refletir e reavaliar o que queremos em nossa vida e o que é mais importante para nós.

O que tudo isso significa para a dança? Com o triste e às vezes frustrante desafio de não ser capaz de se conectar para se apresentar e receber dança em grandes comunidades, os artistas de dança têm se tornado criativos sobre onde, o que e como eles apresentam seus trabalhos. À medida que exploramos um novo terreno sobre a aparência e a sensação de nossa forma de arte, “menos é mais” parece fundamental. Pizarts ' filme de dança, Vermelho entre as linhas , sob a Direcção Criativa de Zoe Rappaport, exemplifica esta abordagem através de um tema simples e claro (a cor muito evocativa do vermelho), uma breve apresentação numa estrutura clara e valorizando os espaços confinados.

Uma conversa pós-show adicionou contexto extra a cada um dos seis filmes de dança de um minuto dos artistas - por que sua abordagem os interessa, como ela evoluiu, como era o processo criativo e muito mais. O trabalho aconteceria no palco do Ailey Citigroup Theatre em junho passado, mas teve que ser adiado indefinidamente devido ao COVID. Os seis artistas concordaram em criar um filme de dança de um minuto em vez de uma apresentação de proscênio, que eles filmaram durante o auge da pandemia. Os slides de abertura do filme, em um design visualmente atraente de um fundo vermelho e letras brancas, compartilham esse contexto de fundo.

Darrell “Friidom” Dunn’s Mensagem começa com Dunn sentado, de pernas cruzadas, seu foco mental e físico palpável. O vermelho brilhante de sua camisa, contra um fundo escuro, tem uma intensidade semelhante. Provavelmente o resultado de filtragem cuidadosa e outros métodos de edição de filme, é claro e impactante. Ouvimos tons baixos e uma voz feminina profunda na partitura, e Dunn começa a mover as mãos com controle e destreza. Eles se movem para fora e depois para dentro, gesticulando. Imagens como escadas e duas entidades se encontrando são decifráveis ​​e fascinantes.

Dunn chega a mover as mãos em uma formação circular, como se estivesse segurando uma bola - até mesmo uma bola de energia - em suas mãos. Seu foco e intensidade permanecem cativantes. As palavras da narração adicionam um elemento de mistério, até mesmo de choque - a mulher está descrevendo o fim da humanidade e a necessidade de unir forças para agir. Parece algo saído da ficção científica (ela faz referência a “astrônomos” com a capacidade de fazer previsões sobre a civilização humana, por exemplo).

O vermelho do tema do filme se encaixa perfeitamente aqui, é uma cor de alarme e aviso (luzes de stop, sirenes, luzes de sistemas de alarme). Continuando com gestos evocativos, ele faz pequenos movimentos, como dois dedos se movendo em cima de sua mão para transmitir a ação. A destreza e facilidade de suas mãos, o mistério no ar e a intriga visual trazem muita riqueza acontecendo em um minuto. Perto do final, sua camisa vermelha desbotada para o preto. Ele coloca as mãos em uma posição de oração e finalmente para baixo, fora do ângulo da câmera, enquanto inclina a cabeça. É como se ele tivesse dado este aviso crucial e urgente para se unir em ação, e agora está terminado.

Em uma época que pode parecer um caos, uma forma de catarse pode ser ouvir falar de uma luta em algum mundo, em outro momento, de fantasia e imaginação. A quanto isso se aplica agora? Quanto precisamos nos unir para evitar o colapso da sociedade civil? Isso continua sendo uma questão para o espectador. Os últimos momentos do filme parecem chamar o espectador a, no mínimo, fazer a ação de reflexão enquanto ele olha para suas mãos em movimento desde o início, aqui ele olha direto para o espectador enquanto a câmera se afasta.

Linda Mason Renascimento tem vozes sobrepostas a dois dançarinos se pintando de vermelho e se movendo. O mistério parece denso no ar. Uma base de tinta vermelha logo tem o branco sobre a área dos olhos (cobrindo as têmporas, sobrancelhas e parte do nariz). Há uma qualidade quase inaudível das vozes, o que aumenta o mistério. Frases que consigo decifrar como “se a gente tivesse que ficar um mês em casa” e “tosse seca” soltam o mistério na época do COVID. Outros sons, como violão e órgão de igreja, aumentam a cacofonia.

E então me ocorre - cacofonia é o que está acontecendo aqui. Em uma época de milhões de vozes em redes de notícias, publicações e mídias sociais, todas as vozes ao mesmo tempo podem parecer uma cacofonia. Afirmar a própria voz sobre as questões que afetam a todos nós é importante e significativo, mas a experiência de todos fazendo isso ao mesmo tempo certamente pode parecer bastante . Isso pode fazer você querer jogar fora seus dispositivos e correr para a natureza, e talvez até mesmo se pintar com cores vibrantes em um ato de energia criativa crua e ardente - como os dançarinos aqui estão fazendo. Em um nível técnico, o trabalho também me lembra de como, com filmes e tecnologias de apoio, o que a dança pode ser é mais ilimitado do que nunca. Esteticamente, não é minha abordagem favorita da experiência, mas o significado é potente.

Dolly Sfeir's Múltiplas Personalidades vem a seguir. Tem uma sensação clássica e elementos pós-modernos ao mesmo tempo, uma sensação de teatro físico da velha escola e a música do estilo dos anos 50 se encontram com adaptações modernas. No tema do programa, um filtro vermelho se sobrepõe a Sfeir. Ao mesmo tempo, seu movimento de salto traz uma pitada de zaniness. Então uma mulher se torna três, todas iguais: uma na porta, uma no sofá, uma na cozinha. Essa escolha me faz pensar que quando dizemos “uma parte de mim (sente, pensa etc.)” pode haver forças concorrentes em nossa mente e corpo. Com uma abordagem dinâmica, a peça de Sfeir traz alimento para reflexão, prazer estético e simplesmente diversão.

Damani Pompeu Impostor tem câmera aérea, com o filtro vermelho de algumas das peças. Vemos a dançarina Kar’mel Small se movendo em um espaço confinado, tanto quanto possível. Alcançando alto, curvando-se, virando, há uma sensação de que este lugar confinado é um inferno particular. Uma pia e vários itens pessoais dão a sensação de um espaço residencial, embora um tanto simples e sem adornos. Posso imaginar a monotonia deste lugar sendo a experiência e a existência diárias.

A pontuação é tons eletrônicos ligeiramente atonais. Isso, junto com a qualidade limitada e tensa do movimento de Small, dá ao trabalho uma sensação de filme de terror. Durante este tempo de COVID, embora todos nós estejamos passando muito tempo no confinamento de nossa casa, o filme com certeza é identificável e relevante.

Martina “Android” Heimann's Distração vem a seguir. Ela se veste de branco, sobreposta com o filtro vermelho do programa. Seus longos cabelos estão meio para cima, trazendo uma sensação de glamour. O ângulo da câmera muda para cima conforme ela gira. Há uma alegria feminina presente, que pode aparecer na vida até de mulheres na casa dos 30 ou 40 anos - idealmente!

Ela rola seu corpo, se vendo no espelho, recuando contra a porta. Vemos suas sapatilhas de ponta, com um dedo do pé estourado glamorosamente. Esses momentos - talvez antes de um encontro, talvez em uma noite em que apenas se sinta confiante - fazem parte da vida de algumas mulheres e poderiam fazer parte da vida de todas as mulheres se nossas estruturas sociais e valores apoiassem isso. No entanto, seu espaço também é pequeno, o que atesta a resiliência e a alegria que alguns podem encontrar mesmo dentro do confinamento.

De Rappaport Arte vs Loucura é a peça final. A câmera a filma de cima, movendo-se da posição deitada e em pé. Parece ser um espaço criativo, com papel pintado e outros materiais artísticos espalhados. Às vezes espasmódica, às vezes fluida, seu movimento parece expressar muitas emoções e experiências físicas diferentes. Seus braços, realizando grande parte do movimento, tornam-se o ponto focal de energia no espaço. A trilha, uma espécie de canção R&B lenta e cheia de alma, tem profundidade, mas também de alguma forma uma sensação de leveza e esperança.

É uma sensação adorável para terminar o filme. O trabalho de Rappaport parece um contraste para que mesmo os pequenos espaços de Pompeu podem conter alegria, imaginação e criatividade. Aprofundando esse sentido, à medida que o filme termina o texto em branco sobre um fundo vermelho afirma “apenas o nosso espaço físico pode ser limitado // a imaginação é e sempre será ilimitada”. Neste momento, é uma mensagem importante, poderosa e verdadeira para o mundo da dança e muito além dele.

A música que acompanha Rappaport continua enquanto os créditos rolam, continuando a compartilhar leveza e esperança. É algo que podemos lembrar muito além de ver isso filme de seis minutos - e ser mais forte, mais imaginativo e mais alegre por causa disso. Seis minutos e um tema claro e focado podem criar isso. Na verdade, menos pode ser muito mais.

Confira a transmissão ao vivo e a discussão pós-show aqui .

Por Kathryn Boland de Dance informa.

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