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Erasing Borders Dance Festival do Indo-American Arts Council: Encontrando tesouros inesperados

Mesma Belsare em Mesma Belsare em 'Shilpa Natana'.

21 a 27 de setembro de 2020.
Streaming no YouTube .

Como um escritor de dança e alguém profundamente envolvido em muitas subcomunidades de dança diferentes, ouço falar de muitas apresentações. Eu não consigo ver todos eles. No entanto, às vezes uma promoção de desempenho chama minha atenção - em uma postagem de mídia social, um e-mail que quase não li ou uma menção de um amigo. Mesmo que eu me sinta muito ocupado para assistir (ou hoje em dia, assistir através de um filme), eu faço funcionar para vivenciar a performance. Quase sempre fico feliz por ter feito isso. Quase sempre me lembra que não há falta de arte maravilhosa por aí, o produto de pessoas imaginativas e dedicadas que se colocam no mundo. É como encontrar um tesouro em um lugar esperado o tempo todo.

O 2020 Erasing BordersFestival do Indo-American Art Council foi exatamente isso para mim. Apresenta artistas de dança indiana clássica e contemporânea todos os anos, e o festival deste ano naturalmente tinha que ser virtual . Em tantos níveis, parecia-me que o festival apagou fronteiras - fronteiras com meus próprios interesses típicos como entusiasta da dança, fronteiras de maneiras que normalmente assumimos neste festival e em outros, fronteiras culturais através da exposição à arte de outra cultura, e muito mais.



O trabalho contemporâneo de Vishwakiran Nambi Pira foi a primeira obra do festival que assisti. No filme exibido antes do filme da obra, narrando em cima de um filme dele dançando, ele discute como a experiência que sua arte cria para os espectadores é muito mais importante para ele do que qualquer significado particular que eles podem tirar. O mistério e a confluência estética do início deste trabalho atestam esse interesse e perspectiva. Tons ressonantes ressoam conforme os dançarinos caminham lentamente no palco - entrelaçados de maneiras incomuns, apoiando outros dançarinos e sendo apoiados por eles. Uma vez em formação, a qualidade do movimento e o tempo mudam 180 graus para frenéticos e rápidos.

Vishwakiran Nambi.

Vishwakiran Nambi.

Essa tensão entre diferentes momentos e qualidades prevalece em grande parte do trabalho. Junto com a facilidade dos dançarinos, iluminação evocativa e ritmos atraentes da partitura, isso me leva a essa experiência. De uma forma mais profunda, é uma personificação da própria experiência, a vida sendo uma jornada em incontáveis ​​espectros entre opostos.

Outra tensão prevalente no trabalho que posso ver no trabalho é aquela entre o individual e o coletivo, e os indivíduos no coletivo se apóiam (ou não) uns aos outros e ao próprio coletivo. Na maior parte do tempo, os dançarinos se movem em uníssono - gestual, fundamentado, mas também com elevação ascendente e incrivelmente rítmico. Passos simples e gestos mais complexos até criam uma harmonia estética que é quase como um transe. Em outras ocasiões, parceria e trabalho solo - por meio de formas e manipulações de leis físicas que eu acho que nunca vi antes - falam de ações de dominar os outros, apoiar os outros e deliberadamente se opor à poderosa corrente do maior grupo.

Os dançarinos caminham em ritmo uníssono em direção ao palco, e as luzes e a música diminuem até a conclusão da peça. A seguir, outro curta-metragem que dá mais contexto ao trabalho, por meio de pequenas entrevistas com os dançarinos e Nambi. A coreógrafa explica o significado do título, como referência à prática espiritual de caminhar sobre brasas. Ele fica fascinado com a ideia de pessoas passando por uma luta incrível pela promessa de uma vida melhor ou um sonho, ele explica, e suas próprias lutas e as de seus dançarinos em direção ao que procuram foi o alimento criativo para a peça.

As experiências e reflexões dos dançarinos também são intrigantes de ouvir - como a natureza rítmica do trabalho tendo paralelos com Bharatanatym , ajustando-se à singularidade desse estilo e adicionando suas próprias influências por meio do processo criativo, e as formas de trabalhar na peça se tornaram legitimamente uma mudança de vida para eles. Por outro lado, esse alto nível de contextualização parece estar em tensão com a ideia de enfatizar a experiência do público em vez do significado - e, em geral, sempre sinto que há algo a ser dito para deixar desconhecido o suficiente para que os membros do público desapareçam. com seu próprio significado pessoal e experiência de trabalho. No entanto, em um nível intelectual e experiencial, é muito agradável para mim ouvir as vozes desses artistas e sobre o convincente processo criativo por trás Pira .

Em seguida, assisto a uma obra de Bharatanatym dançada pela Mesma Belsare e coreografada por Maya Kulkarni. No palco e iluminado, Belsare começa agachado, baixo no espaço, movendo-se lenta e pensativamente. Seu traje clássico de ouro e vermelho - pulseiras, sinos nos tornozelos, enfeites de cabelo - dão a ela uma sensação real. Música instrumental indiana clássica a acompanha - oferecendo energia, alegria e profundidade emocional por meio de sua gama tonal. Gesto, posicionamento físico e expressão facial parecem contar uma história. Não falo a linguagem física desta forma de dança ancestral e, enquanto a observo, quero ser capaz de fazê-lo. No entanto, ela está claramente contando uma história e é evidentemente cativada na narrativa como performer, que é sempre agradável de se experimentar.

Mesma Belsare em

Mesma Belsare em ‘Shilpa Natana’. Foto de Gajen Sunthara.

Movimentos como circular os braços horizontalmente, como se estivesse mexendo um prato no fogão, transmitem domesticidade. Para terminar, ela estica os braços - os braços em “v”, olha para o céu - e vemos seu estômago se mexer com a respiração acelerada de seu trabalho físico. Eu amo aqueles momentos em que os dançarinos ficam quietos depois de se esforçarem, e vemos sua respiração trabalhando duro da maneira que eles investiram seu corpo e espírito no trabalho é tão lindamente claro nesses momentos.

Alcançando o grande, ela ocupa espaço da mesma forma que o oxigênio - forte e orgulhosa em sua presença. O que quer que possa ter acontecido nesta história, isso é significativo para mim. Na discussão pós-show, Belsare e Kulkarni discutem como na dança seus interesses em música, movimento e artes visuais se uniram. Esse amor pela dança como uma confluência de dons sensoriais é bastante aparente no trabalho dinâmico e satisfatório. Kulkarni também discute a diferença entre simplesmente narrar por meio da dança e realmente incorporar a história por meio da expressão e do compromisso físico. Belsare exemplifica o último - uma parte fundamental de por que o trabalho me cativou, eu acho.

Finalmente, eu assisto É um novo começo , com coreografia e conceito de Divyaa Unni e vocal / música de Bhagyalakshmi Guruvayur. É uma bela união de movimento e música em espaços ao ar livre memoráveis. Unni’s gestos clássicos e footwork são precisos, mas não rígidos. Os vocais de Guruvayur são igualmente seguros e dinâmicos. A energia é otimista e alegre enquanto ela conta uma história por meio do movimento, uma bela parte de Bharantanymas uma forma de arte.

Parte de mim quer saber a história em si, mas há algo a ser dito sobre a forma de arte sendo apresentada em sua forma mais verdadeira e autêntica - e quem sou eu para pedir qualquer outra coisa. A energia muda em um ponto, para algo mais lento e mais contemplativo. Seus gestos se tornam mais indicativos de ações comuns: comer, cozinhar, cumprimentar alguém. Essa mudança torna a ação da narrativa menos opaca para mim.

Divyaa Unni. Foto de Jamesh Kottakkal.

Divyaa Unni. Foto de Jamesh Kottakkal.

A próxima mudança envolve sua mudança para locais cada vez mais modernizados, cada vez mais influenciados por humanos - um parque com árvores podadas, na parte de trás de um prédio com placas de estacionamento e, finalmente, uma esquina urbana onde ela ouve tiros. Com isso, ela se agacha de medo. Em frente a uma cerca de madeira, ela dança com ferocidade e foco intenso, o efeito do que ela ouviu e viu parece ter penetrado profundamente em seus ossos e tendões.

Ela retorna à margem do rio de onde começou, aparentemente aliviada e feliz por estar de volta em conexão segura com a natureza. A última parte do filme mostra sua dança - com clara intenção e paixão - em um amplo campo aberto, arranha-céus ao fundo. Ela parece ter encontrado algum tipo de equilíbrio entre o natural e o artificial. A iluminação e a tranquilidade do espaço evocam uma harmonia recém-descoberta.

Para terminar, suas mãos vão ao coração e ela se agacha. “Shanti, shanti, shanti”, canta Guruvayur - “paz, paz, paz”. Unni e seus artistas acompanhantes parecem estar oferecendo uma oração pela raça humana - por 'um novo começo' onde, seguindo COVID, reconstruamos um mundo que é melhor para todos nós. Eu fico pensativo, tocado emocionalmente e inspirado a mover - mover meu próprio corpo e mover para um mundo melhor. Esses tesouros podem ser encontrados em lugares inesperados, portanto, mantenha os olhos abertos. Você não vai se arrepender.

Por Kathryn Boland de Dance informa.

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