Definindo e ensinando dança moderna a partir de uma perspectiva histórica

Por Kathleen Wessel.

Professores, pensem na última vez que alguém perguntou a vocês: “O que é dança moderna?” Sua resposta provavelmente não foi fácil, porque a maioria das pessoas - mesmo aqueles que ensinam - não consegue definir com precisão esta forma de arte em constante mudança. Certa vez, ouvi um membro da platéia explicar a seu companheiro em um concerto de dança de repertório misto: “Quando seus pés estão apontados, é balé. Quando eles são flexíveis, é moderno. ” Se ao menos a distinção fosse tão simples.

Podemos identificar facilmente uma definição (e há muitas) que é muito restrita ou completamente errada. “Fluxo livre”, “menos estrito ou exigente que o balé”, “emocionalmente expressivo”, “interpretativo”: tudo pode ser provado incompleto ou impreciso evocando exemplos históricos e atuais. Qualquer pessoa que sobreviveu a um aquecimento exaustivo no solo com base nos ensinamentos da lendária coreógrafa Martha Graham sabe que “fluir livremente” e “solto” não faziam parte de seu vocabulário. E pode-se argumentar que a coreografia altamente específica do falecido Merce Cunningham, um pioneiro da vanguarda do movimento de dança pós-moderna, é de fato mais mais estrito do que o balé. Seguindo as tendências artísticas de sua época, Cunningham certamente não pretendia que seu trabalho expressasse uma emoção ou interpretasse uma história por meio do movimento.



A cada passo, encontramos um movimento ou estilo coreográfico que desafia as convenções e desafia nossa definição de dança moderna. Alguns professores delineiam uma diferença entre dança “moderna” e “contemporânea” partindo do pressuposto de que “moderna” se refere a técnicas do passado, enquanto a coreografia “contemporânea” é mais atual. Ambos os termos, por serem sinônimos e igualmente indefinidos, falham em categorizar essa misteriosa forma de arte.

Isso levanta a questão óbvia: como professores, como comunicamos efetivamente os ideais de um gênero artístico, técnicas e filosofias adequadas se não podemos defini-los? Para uma possível resposta, recorremos àqueles que estabeleceram suas próprias definições e criaram uma linguagem de movimento ou técnica específica que orienta seu estilo coreográfico. Em vez de categorizar essa forma de arte que muda de forma, podemos estudar e ensinar as muitas tradições - históricas e atuais - que continuam a redefini-la.

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Aqui estão alguns pioneiros do passado e do presente que abriram caminho para a paisagem ricamente diversificada da dança do século 21. Fale sobre essas figuras lendárias em sala de aula. Talvez inspirem um jovem estudante a um dia criar sua própria linguagem de movimento.

Katherine Crockett da Martha Graham Dance Company

Katherine Crockett, dançarina principal da Martha Graham Dance Company em ‘Cave of the Heart’. Foto © Albert Watson, 2010

Contração e liberação de Martha Graham

Converse com os alunos sobre o foco de Graham no núcleo. Com a incorporação do Pilates e a ênfase na força central em muitos dos estúdios de dança de hoje, os alunos já devem ter alguma consciência central e ser capazes de isolá-la. Pratique exercícios de respiração que incentivem os alunos a puxar ou “contrair” os músculos centrais e, em seguida, “soltá-los”. Discuta a crença de Graham de que o núcleo também é o centro emocional do corpo. Sua famosa filosofia “o movimento nunca mente” pode ressoar com os alunos que trabalham com técnicas de performance.

Queda e recuperação de Doris Humphrey e Respiração e peso de Jose Limon

Os alunos podem se interessar em saber que esses dois coreógrafos lendários trabalharam juntos - Humphrey como diretor artístico da companhia de Limon de 1946 a 1958 - e colaboraram para criar uma qualidade estética única. Muitos alunos provavelmente já ouviram os termos “fundamentado” e “ponderado” para descrever a dança moderna. Humphrey e Limon foram pioneiros no esforço de ensinar essas qualidades. Balanços de torso ou 'drop' são exemplos clássicos da técnica de queda e recuperação de Humphrey. Peça aos alunos que trabalhem nesse conceito enfatizando a respiração, enquanto executam qualquer movimento com um elemento de suspensão, como balançar as pernas ou cair no chão.

Atlanta Ballet

Atlanta Ballet apresentando ‘Minus 16’ de Ohad Naharin. Foto de C. McCullers

Técnica Gaga de Ohad Naharin

O coreógrafo israelense Ohad Naharin desenvolveu, e continua a desenvolver, essa técnica de improvisação como uma forma de os dançarinos perderem a autoconsciência e se moverem sem inibições físicas ou psicológicas. Para incorporar alguns conceitos de Gaga em sala de aula, conduza uma improvisação estruturada e incentive os alunos a prestar atenção nas sensações físicas ao invés de como um movimento “deveria” ser. Peça aos alunos que “flutuem na água” ou que sua “espinha se transforme em uma cobra”. E cubra o espelho! Naharin diz que os espelhos “estragam a alma e impedem que você entre em contato com os elementos, os movimentos multidimensionais e o pensamento abstrato”. Ele aconselha os bailarinos: “Saiba onde você está o tempo todo, sem olhar para si mesmo. A dança tem a ver com sensações, não com uma imagem de si mesmo. ” Diga aos alunos, enquanto estão improvisando, para 'tocar para todos os lados da sala'. Eles ganharão confiança para se moverem de forma mais completa no espaço tridimensional.

Anouk van Dijk

O criador da Countertechnique, coreógrafo holandês Anouk van Dijk. Foto de Silvia Sztankovits

Contra-técnica de Anouk Van Dijk

Este é um novo sistema de movimento desenvolvido pelo coreógrafo holandês Anouk Van Dijk que enfatiza o movimento de oposição e contínuo. Van Dijk diz que a teoria por trás da contra-técnica é simples: “Se você está em movimento, seu movimento tem direção”. E o movimento em uma direção requer movimento na direção oposta. Enquanto os alunos trabalham em uma frase conhecida, peça-lhes que identifiquem não os movimentos primários, mas as ações opostas ou partes do corpo. Por exemplo, em vez de pensar na altura de um arabesco, faça com que se concentrem em alongar os torsos. Ao enviar energia e foco para movimentos opostos, os alunos podem criar um “equilíbrio dinâmico em constante mudança” e mover-se com poder explosivo através do espaço.

O YouTube é um ótimo recurso para ver exemplos dessas e de outras técnicas. Depois de dar uma aula que enfoca figuras históricas ou atuais da dança moderna, incentive os alunos a procurar vídeos ou assistir a clipes juntos como um grupo. Em vez de se concentrar na coreografia, peça aos alunos que prestem atenção às qualidades do movimento - o quão ao invés do o que . A dança moderna é definida e constantemente redefinida por aqueles que criam sua linguagem. Apresentar a próxima geração de dançarinos à conversa é a melhor maneira de mantê-la.

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