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Concerto de dança ao vivo, online com 'Great Dance in Great Places' da Island Moving Company

Island Moving Company em Miki Ohlsen Island Moving Company na 'Família' de Miki Ohlsen. Foto de Bill Peresta.

Newport, a principal companhia de balé contemporâneo de Rhode Island, Island Moving Company (IMC), sempre foi inventiva e engenhosa sem um teatro 'home-base' consistente que a companhia executou em espaços de antigos fortes militares a navios piratas e antigas casas de reunião Quaker. Com o mundo da dança enfrentando a necessidade de cancelar ou adiar ensaios e apresentações, o IMC decidiu tornar certas apresentações passadas acessíveis a qualquer pessoa online gratuitamente. Nas primeiras três semanas de abril, a empresa ofereceu um conjunto com curadoria de performances em seu site.

O nome Ótima dança em ótimos lugares é um tanto evidente, mas também alude ao Festival de Dança dos Grandes Amigos de longa data da empresa (agora Festival de Dança de Newport). O festival tem como objetivo conectar artistas de dança e entusiastas de todo o Nordeste, de todo o país e de todo o mundo - para colaboração, apoio e muito mais. Este festival online atual pode alcançar alguns dos mesmos fins significativos na era do distanciamento físico obrigatório. Um fim de semana do festival online apresenta apresentações do Great Friends Festival, enquanto outros fins de semana apresentam apresentações de Providence, RI’s Vets Auditorium e Pittsburgh, PA’s New Hazlett Theatre.

Miki Ohlsen, diretora artística do IMC Parentesco começou o primeiro fim de semana (videografia de Arvid Tomako), dançou no New Hazlett Theatre de Pittsburgh. Dois holofotes subiram em dois dançarinos diferentes, Katie Moorhead e Gregory Tyndall. Eles começaram a se mover com gestos, formas e linhas claras - enfatizando a tensão e depois relaxando com a respiração. Não estava claro se eles se viam ou não. Dependendo do visualizador, a ambigüidade pode ter sido atraente ou frustrante. Conforme os holofotes se apagaram e todo o palco ficou iluminado, os olhares dos dançarinos deixaram claro que eles podiam se ver. Tyndall dançou até Moorhead enquanto ela permanecia no chão, gesticulando em sua direção e para longe dela. Havia uma sensação mágica de conto de fadas em tudo isso.



Moorhead se enrolou em si mesma, como se estivesse se protegendo, então alcançou seu corpo enquanto ele se virava. Pensei em conexões perdidas entre as pessoas. Esta escolha reforçou um efeito anterior na peça que começou o tema de conexões perdidas, eles voltados para direções diferentes e parecendo apenas perder os olhares um do outro enquanto olhavam para o palco ou para o palco. No entanto, ela logo se levantou e saltou em seus braços, e eles compartilharam um abraço terno. Ao mesmo tempo, uma tensão na música indicava que algo ameaçava sua conexão. O vocabulário do movimento no trabalho ajudou a criar essa sensação de tensão entre a conexão e algo que poderia ameaçá-la.

Tal como com Moorhead alongando as pernas e depois curvando-as em uma forma de atitude dupla (ambos os joelhos dobrados), formas expansivas e livres fluíram em algo mais modelado e gestual. Arabescos e braços balançando de um lado para o outro falavam do anseio e da busca por aquelas conexões que eles perderam. Em um ponto, o uníssono foi disparado em um salto, mas juntos na curva seguinte, tornando o uníssono quando o obtiveram mais poderoso. Um momento memorável teve Tyndall nos braços de Moorhead, como se o embalasse, uma imagem de carinho paternal ou simplesmente muito humano. Os dois dançarinos, sua relação platônica ou romântica ou de irmãos ou de um pai e filho, personificavam um vínculo que pode durar entre duas pessoas, mesmo quando não há conexão um com o outro no espaço literal - um retrato poderoso e presciente, de fato. Eles eram parentes.

Danielle Genest, diretora artística associada do IMC Transporte , a segunda peça no primeiro fim de semana de apresentações com curadoria, era uma obra que podia falar sutilmente aos humanos em comunidade - tensão e harmonia em oposição para finalmente trazer equilíbrio. Também notável neste trabalho foi a variação da tensão e harmonia entre as qualidades da música e do movimento. O trabalho começou com os dançarinos caminhando para uma formação, uma moita, e voltados para o público - o confronto. A iluminação baixa, a música começou também suavizada - eles alcançaram o nível baixo com as pernas e se moveram levemente no espaço. A música (de Olafur Arnalds) aumentou em volume e intensidade, aumentando o drama e o mistério, o movimento dos dançarinos ainda era pequeno, ainda dentro da cinesfera dos dançarinos.

Os dançarinos logo se moveram para uma linha diagonal estreita e começaram a se debater de forma selvagem e expansiva. A desconexão e o isolamento inerentes a este movimento contrastavam com a unidade da proximidade dos dançarinos no espaço. Com uma explosão na música, os dançarinos, por sua vez, explodiram no palco. O movimento foi atlético e expansivo, com gestos apimentados para criar algo não totalmente definível, mas bonito. Havia uma tensão clara entre a ação que é o caos organizado e a conexão em mãos, como os dançarinos quando os dançarinos reorganizavam as formações para se moverem juntos aos pares. Nestes pares foi notável o trabalho de parceria - como dançarinos atrás de seus parceiros envolvendo os braços estendidos para o lado, oferecendo uma sensação de apoio estruturado.

Seus trajes de túnicas simples permitiam que seu movimento ocupasse o centro do palco. Bandas de luz em todo o palco adicionadas à maravilha estética, dançarinos movendo-se através desta luz e sombra. Duetos e solos simultâneos criaram uma série de histórias diferentes no palco - oferecendo possibilidades narrativas infinitas, contendo uma infinidade de contos humanos. Em uma das poucas mudanças energéticas claras, outra mudança energética acentuou o gesto movendo os dançarinos em uma seção do grupo. Parecia que uma comunidade foi encontrada. Para terminar o trabalho, eles voltaram para uma linha, gesticulando um para o outro, e então se viraram para o público para gesticular para nós. Essa escolha pareceu um chamado para nós, para questionarmos por nós mesmos como nossas próprias histórias irão se desenrolar.

O lineup com curadoria do segundo fim de semana incluía o A terra gira. A tradução do título do espanhol é “a terra gira”. Como tal, havia uma sensação de espiralamento em todo o trabalho - começando com o início do trabalho de um grande conjunto entrando e saindo da formação. Uma imagem memorável aqui eram os braços de um círculo interno em leque passando por um círculo externo, como uma flor. Os figurinos (da Eileen Stoops) eram em um esquema de cores azul escuro e preto, em cortes simples e limpos que complementavam o movimento em mãos. Em pouco tempo, a maior parte do conjunto saiu do palco e um par permaneceu.

Seguiu-se um dueto com elevado nível de paixão, com uma força mas dobragem à qualidade do movimento. Uma flexibilidade estava à mão. As formas realmente foram ao seu limite, com alta atitude e backbend profundo como motivos. Movimentos inovadores, como uma perna passando pela outra perna para terminar em um arabesco, enquanto apoiados por um parceiro, eram atraentes e transmitiam complexidade. Pensei em ter que dançar uma linha tênue entre resultados imperfeitos. Dois outros dançarinos entraram, permitindo muitas possibilidades visuais e energéticas e abrindo a experiência retratada para além de um casal. Uma imagem notável aqui foi a das bailarinas girando baixo com ambas as pernas dobradas em atitude em que os pares tiveram a intrincada física elaborada de tal forma que essa sequência de movimento fluiu perfeitamente.

Uma seção final tinha o conjunto de volta, dançando variações em uma frase atraente, incluindo um salto com os joelhos dobrados progredindo para uma curva com uma perna estendida longa e baixa, linhas e espirais agradavelmente mescladas, mas intrigantemente distintas. Ao longo do tempo, a trilha (de Kevin Keller) adicionou mais drama à sensação de espiral da obra e à atmosfera emotiva das seções de conjunto, dueto e quarteto. Este drama no começo não me pegou, eu não entendi muito bem o que estava em jogo. No entanto, no final, de repente eu entendi o drama poderoso - a experiência única de duas em quatro pessoas acontecendo enquanto o mundo ao seu redor gira, todas as pessoas ao seu redor com suas próprias histórias, as ruas cheias de alegrias e tristezas que são invisíveis para nossos olhos nus. De alguma forma, com um milhão de escolhas se somando, duas pessoas e dois conjuntos de duas pessoas se juntaram entre bilhões de outros humanos como eles.

A luz de repente foi cortada para encerrar a peça, e algo em mim queria um final suave para permitir que o drama fechasse o círculo e fechasse em um pacote elegante. No entanto, o corte rapidamente ressaltou prescientemente como essas histórias se desenrolando, além de milhões de outras histórias nesta terra, continuarão enquanto a Terra girar e estivermos vivos nela. O site do IMC incluiu esta citação poética junto com informações do programa no site: “a terra girou para nos aproximar, girou sobre si mesma e dentro de nós, e finalmente nos uniu neste sonho ...”. Essas metáforas e histórias significativas estão disponíveis para nós por meio da arte. Companhias de dança como a IMC estão fazendo sua parte para garantir que, mesmo enquanto nos distanciamos fisicamente, continuemos tendo acesso a ela.

Por Kathryn Boland de Dance informa.

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