Tudo é justo na arte: 'Asas de cera' do Boston Ballet

Boston Ballet em George Balanchine Boston Ballet nas 'Variações Donizetti' de George Balanchine. Foto de Rosalie O'Connor, cortesia do Boston Ballet.

Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
23 de março de 2017.

“Tudo é justo no amor e na guerra”, dizem eles. Alguém poderia adicionar arte a isso - o que significa que, se bem elaboradas e intencionais, todas as abordagens artísticas podem ter valor. Dadas as infinitas possibilidades do corpo humano e sua mistura com outros meios artísticos, isso é especialmente verdadeiro para a dança. Algumas companhias de dança exibem a versatilidade e a forma proposital de trabalhar que lhes permite oferecer trabalhos em qualquer abordagem artística, com graça e estilo. Com Asas de Cera , Boston Ballet mais uma vez demonstrou que eles são uma dessas empresas.

Boston Ballet em George Balanchine

Boston Ballet nas ‘Variações Donizetti’ de George Balanchine. Foto de Rosalie O’Connor, cortesia do Boston Ballet.



O primeiro dos três trabalhos do programa foi Variações Donizetti, uma reencenação de George Balanchine em estilo clássico. A estética visual dos trajes em azul bebê, branco e rosa (para as bailarinas) e um cenário azul bebê combinando construíram uma base harmoniosa e agradável para a dança que viria (fantasias cortesia do Miami City Ballet). Elenco de três dançarinos masculinos e seis bailarinas permitiam formações ordenadas de triângulos, linhas de pares e outras explorações numéricas. Mudanças freqüentes nessas formações, bem como o ritmo, trouxeram intriga e um senso de diversão a essa qualidade ordeira.

Característica das obras de Balanchine,Alegrofoi uma velocidade vertiginosa. Em maisadágioseções, linhas e extensões eram fluidas e pulsantes de energia. Uma seção contendo ambas as qualidades apresentava um dos três pares em que a primeira bailarina se virava, oferecendo umarabescoeinclinado, e os outros dois pares a seguiram. Também característicos das obras de Balanchine foram os momentos irônicos que sugeriam tendências pós-modernas, como a meta-análise (a arte comentando sobre si mesma) - incluindo a de uma bailarina aparentemente dando uma topada no dedo do pé, verificando-aapontarsapato e voltando para seu lugar em formação. Uma obra bastante clássica em geral, mas momentos mais modernos eram certamente um jogo justo, e adicionado ao deleite que a peça oferecia.

O trabalho a seguir foi o homônimo do programa,Jirí Kylián'S Asas de cera. Chamando a atenção imediatamente estava uma árvore de cabeça para baixo, seus muitos galhos nus. A iluminação fraca e os trajes pretos contribuíram para uma qualidade espartana geral despojada. Um holofote móvel circulando no alto contribuiu para o mistério abrangente. Às vezes, os dançarinos chegavam bem perto dos galhos mais baixos da árvore suspensa, e as alusões à história de Ícaro e suas asas derretidas eram bem claras. No entanto, essas alusões eram mais estratificadas e matizadas do que apenas uma referência simples, talvez uma reformulação da velha história para as complexidades do mundo moderno.

Boston Ballet em Jirí Kylián

Boston Ballet em ‘Wings of Wax’ de Jirí Kylián. Foto de Rosalie O’Connor, cortesia do Boston Ballet.

Parte dessa reformulação foram referências às qualidades das interações humanas. Os dançarinos compartilhavam e resistiam ao peso uns dos outros, manipulando habilmente a atração das forças cinéticas. Pares com pulsos cruzados tinham uma dançarina aparentemente patinando em marley em um plié baixo e suculento, por exemplo. Houve uma atração e uma resistência do outro. Sem qualquer comentário social, esse uso de peso e gravidade era lindo de se ver. Havia outras frases lindas que poderiam ter oferecido comentários sociais poderosos, mas são muito valiosas fora disso.

Um desses momentos foi com um grupo de dançarinos caminhando lentamente no lugar enquanto outro dançava atleticamente e rapidamente na frente e ao redor deles. Frequentemente nos movemos em velocidades diferentes e às vezes nos perdemos. Mas, inevitavelmente, compartilhamos espaço e tempo. No entanto, esta seção foi realmente algo para experimentar sem tal interpretação. O trabalho foi concluído de forma semelhante, com um par de homens e mulheres se envolvendo do peito à cabeça, dobrando-se e depois soltando-se para trocar de lado. Eles continuaram a alternar os lados com aquele movimento quando a cortina caiu. Foi um final fascinante para a experiência, e também potencialmente rico em significado na natureza cíclica de nossas vidas e nos relacionamentos dentro delas. A peça nos trouxe muito para o reino pós-moderno do que o primeiro ousou aventurar-se. No entanto, cada trabalho ofereceu algo especial por si só.

O terceiro e último trabalho no programa, Alexander Ekman's Cactos , era mais pós-moderno ainda. O foco meta-analítico foi aparente desde o início, com comentários sobre a maneira como as forças artísticas clássicas e contemporâneas tendem a se chocar, mas podem então se reconciliar por meio de compromisso e colaboração. Músicos emergiram das sombras enquanto os dançarinos subiam, movendo-se com intrigantes e não convencionaisPort de Braspadrões. O nevoeiro subiu das sombras e subiu para as luzes fracas (projeto de iluminação de Tom Visser). Esta atmosfera misteriosa era alegre e enérgica, ao invés de angustiada. A percussão de corpo e solo, por exemplo, contribuiu com um ritmo cativante. Frases de movimentos extremamente atléticos eram igualmente cativantes.

Outros momentos do quadro ofereceram um contraste convincente a esse movimento frenético e atlético. Um momento pitoresco, por exemplo, foi aquele em que todos os dançarinos se ajoelharam, estendendo o braço na altura dos ombros enquanto todos olhavam naquela direção. O nível geral no espaço aumentou quando os dançarinos ergueram suas pranchas brancas, para abaixá-las e erguê-las novamente. Mais feitos atléticos enfeitaram o palco enquanto os dançarinos saltavam e desapareciam atrás de suas pranchas. O significado se aprofundou à medida que a narração recomeçou, o locutor identificou essas pranchas brancas como “pedestais de marfim” e referiu como os artistas viveram e se esconderam atrás desses pedestais.

Boston Ballet em Alexander Ekman

Boston Ballet em ‘Cactos’ de Alexander Ekman. Foto de Rosalie O’Connor, cortesia do Boston Ballet.

Com a tensão racial na América dos últimos tempos, não podemos deixar de absorver isso como um comentário sobre como as artes - no acesso à sua criação, educação e visualização - são parte desse diálogo necessário sobre raça. No entanto, tudo evitou ser muito inebriante, sério ou proselitista. “Eles são os cactos”, afirmou o narrador, com muitas interpretações possíveis, sim, mas apenas inesperadas e aparentemente sem sentido o suficiente para fazer os membros da audiência rirem. Tudo isso à parte, a beleza dos dançarinos caminhando lentamente - como se estivessem em uma meditação andando, em baixa iluminação - era de tirar o fôlego. Os dançarinos então usaram seus “pedestais de marfim” para criar o que parecia a face frontal de um edifício. Corrida como construção? Portanto, pode-se supor.

Ainda assim, tudo permaneceu alegre o suficiente para evitar que os membros da audiência mergulhassem em uma discussão sobre raça. A chave para essa leviandade foi um dueto com dois dançarinos aparentemente em ensaio, mais narração em off ofereceu seu diálogo irônico enquanto eles trabalhavam com certas frases de movimento. Os dois dançarinos resistiram e se abraçaram com a mesma naturalidade que caminham. O conforto deles em sua parceria provavelmente ajudou o público a se sentir totalmente confortável - confortável o suficiente para rir. Da diversão ao espanto, à curiosidade e ao pensamento mais profundo, a arte pode oferecer de tudo. E o Boston Ballet é uma empresa que tem abertura e comando artístico para explorar todas essas possibilidades. É tudo um jogo justo.

Por Kathryn Boland de Dance informa.

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