Estética e atmosfera: Programa Digital 03 do San Francisco Ballet

Kimberly Marie Olivier e Sean Bennett em Yuri Possokhov Kimberly Marie Olivier e Sean Bennett em 'Swimmer' de Yuri Possokhov. Foto de Erik Tomasson.

4 a 24 de março de 2021.
Acessível através de www.sfballet.org/sf-ballet-home .

Quase todos os artistas de dança têm a experiência de uma dança realmente tornando-se o que é na “semana tecnológica” - quando luzes, projeções, figurinos e música ressoando em um espaço de atuação realmente dão vida a um trabalho. As escolhas de cor e forma podem aumentar o significado e a experiência de ver uma obra ou podem causar distração e confusão. A estética de um trabalho de dança pode construir uma atmosfera que atrai o público ou simplesmente discordante. San Francisco Ballet O Programa Digital 03, em seu programa virtual SF Ballet @ Home, ilustrou o poder e a importância de criar uma estética e uma atmosfera claras. O programa contou com duas performances pré-COVID, filmadas no War Memorial Opera House em São Francisco e uma estreia de filme.

Alexei Ratmansky Symphony # 9 , que o San Francisco Ballet dançou pela primeira vez em abril de 2014, abriu o programa. Virtuosidade e dinamismo encheram o ar desde a primeira nota e passo. Uma partitura instrumental robusta (de Dmitri Shostakovich) impulsionou pequenos saltos, extensões e voltas. Era tudo bastante neoclássico, exceto para floreios gestuais jazzísticos - emblemáticos de uma abertura “pós-pós-moderna” à inspiração de outras formas de dança. O cenário de azul desbotado (de George Tsypin) e trajes aveludados, em tons aparentemente inspirados nas cores de uma floresta (de Keso Dekker), amarraram um envoltório moderno em torno do presente do movimento neoclássico. No sentido balanciano, mesmo com o surgimento da dinâmica social, não havia narrativa em jogo, exceto pela união da música e do movimento.



Balé de São Francisco em Alexei Ratmansky

Balé de São Francisco na ‘Sinfonia # 9’ de Alexei Ratmansky. Foto de Erik Tomasson.

Uma mudança drástica no ritmo, para algo muito mais adagio e misterioso, trouxe um movimento mais fundamentado, exploratório ao invés de turbulento. Um pas de deux nesta seção tinha elevadores complexos, mas também momentos de giro simples com um porto de bras claro e uma pausa pesada. Membros do corpo avançaram pelas asas, port de bras relembrando nadando no ar - que eles transformaram em passés antes que seus parceiros se juntassem a eles para uma carona.

Como a curva simples e o port de bras do pas de deux anterior, era um motivo claro - que criava um senso de continuidade e circularidade. Pode não ter havido uma 'narrativa', por si só, à mão, mas os membros da audiência em geral poderiam se identificar com a sensação de se mover com aparente calma e compostura - ainda permanecendo no mesmo lugar mais uma vez, enquanto um ar de algo que não estava certo permaneceu. Nossa imaginação poderia criar nossas próprias narrativas dentro dessas estruturas. Essa pode ser a parte divertida e significativa.

No meio do caminho, as luzes diminuíram e duas dançarinas (uma bailarina e uma dançarina) derreteram lentamente no chão até se deitarem de costas. Um fundo de silhuetas de pessoas segurando bandeiras vermelhas era visível quando as luzes voltaram. Eu não entendi completamente essa escolha criativa e preferi as possibilidades abertas do pano de fundo azul desbotado visto antes na peça.

Como as pessoas nos desenhos pareciam se encaixar no modelo de “pessoas respeitáveis ​​e prósperas” da sociedade, talvez fosse um comentário sobre conformidade e viver uma vida prescrita para você. A sensação de voltar ao mesmo lugar novamente se alinharia com esse tema. Também pode ser divertido para nossa imaginação conjeturar possibilidades dentro de escolhas criativas que não entendemos muito bem! No entanto, o movimento permaneceu efervescente e emocionante, com excelentes apresentações dos principais artistas do San Francisco Ballet.

A energia cresceu no final, trazendo de volta os motivos com um ritmo mais rápido, enquanto também adicionava novos ingredientes à mistura. Quando as luzes se apagaram, o corpo saltou para fora do palco e uma única dançarina permaneceu no centro do palco (Wei Wang) - pulando alto e girando rápido. Como uma escolha muito intrigante, isso parecia centrar o foco de volta na experiência individual. Este final pode ser interpretado como uma afirmação de que é disso que se trata - como cada um de nós experiencia o mundo individualmente. Na ausência de análises mais profundas, tudo foi agradável de experimentar.

San Francisco Ballet em

Balé de São Francisco em ‘Wooden Dimes’. Foto cedida pelo San Francisco Ballet.

Moedas de madeira foi o programa estreia mundial do filme . Christopher Dennis atuou como produtor executivo, Lindsay Gauthier como editor e Heath Orchard como diretor de fotografia.

photo jazzy

O elenco em qualquer ponto específico não parecia muito grande, então é concebível que os dançarinos filmavam desmascarados em 'pods' (como o cinema e a televisão vêm fazendo há vários meses). Abrindo com showgirls em seus camarins, teve um ambiente claro e atraente Atmosfera dos anos 1920 . Excitação e camaradagem encheram o ar. Um homem entrou (Luke Ingham), levando a um pas de deux apaixonado e gracioso com uma das bailarinas (Sarah Van Patten), que estava se tornando um personagem central.

O movimento era basicamente clássico, mas as inflexões jazzísticas homenageavam o contexto em questão. A próxima cena retratou o personagem de Ingham aparentemente em ação, batendo e exclamando com seu corpo. Homens com escudos de contador circulavam em torno dele, como se estivessem cumprindo suas ordens - ou estavam exigindo coisas dele? Mudando de perspectiva a partir daí, as showgirls se apresentaram com alegria. A personagem de Van Patten se diferenciava com listras pretas em seu vestido branco, enquanto todos os outros dançarinos usavam todo branco (figurino de Emma Kingsbury). Todas as cenas pareciam ter sido filmadas no palco de um grande teatro, as linhas entre as peças de Marley visíveis. Essa escolha trouxe uma sensação espartana que apoiou o trabalho geral (propriedades cênicas projetadas por Alexander V. Nichols, projeto de iluminação por Jim French e Matthew Stoupe).

O personagem de Van Patten dançou com um par misterioso (Madison Keesler e Nathaniel Ramirez). Seguiu-se um pas de deux de dançarinos em vermelho e preto, com iluminação mais fraca e a partitura ficando mais baixa e mais nítida no tom. Esse par parecia estar tentando o primeiro homem que conhecemos, o primeiro com quem nosso personagem principal dançou, com algo sinistro. Eles o puxaram e manipularam seu corpo. As linhas entre imaginação e realidade pareciam totalmente confusas. Uma estética coesa, emparelhada com coreografia inteligente, tornou esta narrativa clara, mas também aberta de forma flexível à interpretação. Nossa heroína dançou novamente em seguida, seu vestido desta vez com listras coloridas. Ela parecia alegre, mesmo que pensativa. Algo mudou!

Ela dançou com fôlego e expansão, um arabesco mantido por apenas meio fôlego a mais com o potencial de emocionar e revigorar. Mais uma vez usando um vestido de muitos padrões (mudar para o que parecia significar uma espécie de transição), o personagem de Ingham voltou. Eles se entrelaçaram, compartilharam peso - isso era redenção? Eles dançaram juntos novamente com paixão e graça, assim como faziam antes, mas uma nova ressonância preencheu o ar entre eles. Desafios aos laços entre nós podem dar a esses laços novas vibrações, para o bem ou para o mal.

Tudo ficou em silêncio no final, e tudo o que se ouviu foi o som da respiração da heroína. As luzes se apagaram lentamente. Muitos finais de obras de dança parecem apressados, sem que o resíduo do peso emocional do que acabou de acontecer tenha tempo para se prolongar. Não é assim com este final. Consistente com a sensação de filme dos velhos tempos, “The End” apareceu na tela. Esse resíduo permaneceu em mim, junto com muitas perguntas - com arte, muitas vezes mais significativo do que ter respostas.

Joseph Walsh em Yuri Possokhov

Joseph Walsh em ‘Nadador’ de Yuri Possokhov. Foto de Erik Tomasson.

Nadador , estreado no War Memorial Opera Stage em abril de 2015, foi uma exploração visual com Busby Berkeley-esque imagens surrealistas. Yuri Possokhov coreografou a obra. O design cênico foi de Alexander V. Nichols e o design de vídeo de Kate Duhamel. Da jornada de trabalho das 9h às 17h até a recreação à beira da piscina, o movimento transmitia meditações sobre o escritório, nadar livremente e flertar na piscina.

Projeções móveis giravam atrás dos dançarinos - algo visto com muito mais frequência na dança contemporânea do que no balé. Foi um doce visual satisfatório, mas um doce com um sabor inesperado que você não consegue identificar. “The Swimmer” (Joseph Walsh), por sua vez, incorporou o movimento livre através da água e do ar. Ele tinha um balão e uma musicalidade adoráveis, alcançando com a energia viajando muito além de suas extremidades, mas também com um centro de energia claro e poderoso.

Além dele, floresce para caracterização e para transmitir ações específicas no corpo avivando uma base clássica de movimento clara e sólida. Uma seção pas de deux, aparentemente em um contexto de encontro para bebidas em um bar, parecia um pouco fora do lugar estruturalmente, embora fosse lindamente coreografada e dançada. A tensão e a paixão eram claras por meio da dinâmica push / pull e da expansividade no movimento.

Uma seção posterior da obra, com um grande corpo de danseurs, tinha múltiplas possibilidades de significado - a turbulência do envelhecimento, uma tempestade (dentro do tema náutico mais amplo em questão na obra) ou outra coisa? Qualquer que seja o significado, levantamentos atléticos e saltos poderosos eram estimulantes. “O nadador” segurou os braços sobre o peito, como se estivesse tremendo - mas logo ele dançou grande e ousado novamente. Os efeitos de iluminação impressionantes faziam com que ele parecesse nadando fundo, justapondo as projeções de um homem nadando em meio a ondas violentas.

A cortina caiu enquanto isso continuava - certamente um final em aberto! Pode-se imaginar diferentes possibilidades para o que pode acontecer a seguir, mas o que parecia mais significativo com este trabalho era a possibilidade visual e o poder absoluto dentro do corpo humano. Embora alguns aspectos do trabalho parecessem obscuros, o que foi entregue foi um puro banquete para os olhos e potenciais narrativos para o cérebro mastigar. Às vezes, a experimentação ousada pode custar a clareza no fazer artístico. A arte não pode avançar sem essa experimentação ousada, que assim seja, diz este revisor. Brava ao San Francisco Ballet por se arriscar e lembrar ao público quantas possibilidades criativas estão à disposição - pandemia global ou não.

Por Kathryn Boland de Dance informa.

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